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Alejandra Reuhel comparte sus producciones favoritas lanzadas en el 2009.

El recordar momentos del año durante su despedida o a comienzos del próximo es un ritual común. Muchos atamos recuerdos a ciertos álbumes de música (o vice versa), utilizándolos como marcadores en el tiempo. Acabándose el 2009, mientras hacía un recuento mental de los eventos memorables del año, inevitablemente me recordaba de ciertas canciones, de la misma manera en que algunas canciones me recuerdan momentos específicos. Soy de esas personas que escuchan un mismo disco en repeat hasta el cansancio (y no necesariamente el propio, sino del vecino), y por tal razón se me hace fácil trazar la cronología de mi año de acuerdo a los discos lanzados cerca de esas fechas.

En homenaje al 2009, comparto con ustedes ésta lista de discos lanzados durante al año. A demás formar parte de mi banco de memorias personales, tambíen tienen en común el que todos pertenecen a un subgénero u otro de música electrónica. No son lo mejor del 2009, y en algunos casos, mucho menos lo más popular del 2009; la lista era más larga y merece ser más larga, pero enero está por terminar y diez es suficiente. Por ende, he aquí los diez discos (disque) deleitables del 2009.

Depeche Mode - Sounds of the Universe
fecha de lanzamiento: enero 2009
género: synthpop

Un amigo mío comentó que éste disco es de los que gustan más a medida que uno los sigue escuchando, y estoy de acuerdo. Tuve que escuchar este disco más de cinco veces para finalmente aceptarlo como, valga la redundancia, aceptable. Mis discos preferidos de Depeche Mode son los producidos durante la década de los ochenta (pre Violator) por su naturaleza cheesy (una cualidad que atesoro en el synthpop), pero continúo escuchando su material nuevo por curiosidad y costumbre. Playing the Angel fue muy bueno y nos creó expectativas para el próximo; cuatro años luego nos dan Sounds of the Universe, que no se compara. El problema con la mayoría de las pistas de Sounds of the Universe es que pasan desapercibidas, como música de fondo, resultando en lo que considero un disco un poco aburrido.
Sin embargo, el video de la canción Wrong es menos aburrido en la medida que es perturbador.

Depeche Mode – Wrong

Combichrist - Today we are all Demons
fecha de lanzamiento: enero 2009
género: EBM / aggrotech/ industrial

Hay quienes aprecian la variedad de la experimentación y evolución marcada entre los discos de cierta banda o artista, y hay quienes, como yo, que disfrutan de la consistencia y no les molesta escuchar “más de lo mismo”. Combichrist es el tipo de grupo que aún no me ha decepcionado porque siempre sabemos que esperar de cada disco nuevo: ritmos enérgicos, pegajosos y repetitivos, temas satíricos de violencia, sexo y comentario social, sampling, y la expectativa de que sus sencillos van a sonar en la pista una tras otra vez. Today we are all Demons sigue el patrón de los discos anteriores de Combichrist. Es, muy cómodamente, más de lo mismo. Aún, las pistas tienen un parecido entre sí, Today we are all Demons siendo la más notablemente diferente, por ser la de los menos bpm y la inclusión de un fantasmal piano. Pero la repetición no alcanza la monotonía y el disco se deja escuchar. Muchas veces.

Combichrist – Kickstart the fight

Fever Ray – Fever Ray
fecha de lanzamiento: marzo 2009
género: electro / ambient / pop

Karin Dreijer Andersson, más conocida como integrante del dúo The Knife, debuta como solista el año pasado con el primer disco bajo Fever Ray, un proyecto más intenso que a lo que nos acostumbró The Knife. Las canciones de Fever Ray son densas, como un pesado sueño, y el disco como un sueño prolongado, a veces bordeando en una pesadilla incoherente. El sonido es agudamente atmosférico y, aunque bonito, en muchas ocasiones aluden a la demencia. Las alteraciones en la voz de Karin, la progresión lenta y ansiosa, y la letra en sí es poesía. La experiencia es como tratar de decifrarla – o quizás no, pero aún sin nuestros esfuerzos, Fever Ray alimenta la imaginación.

Fever Ray – Keep the Streets Empty for Me

Rupesh Cartel – Anchor Baby
fecha de lanzamiento: abril 2009
género: pop / synthpop /electro

Anchor Baby, el tercer disco del dúo sueco Rupesh Cartel, aunque no dramáticamente diferente a sus precursores, carece del elemento que los hacía resaltar en Mainland y The Disco and the Whatnot. Anchor Baby tiene un sonido un poco genérico, quizás más llano que los anteriores, pero aún así no deja de ser un disco bueno. (Excepto en comparación a los anteriores. ) Recomiendo éste disco para bailar con la sombra en la pared un sábado por la noche si te encuentras solo en tu casa.

Rupesh Cartel – Imperial

IAMX – Kingdom of Welcome Addiction
fecha de lanzamiento: mayo 2009
género: electro / pop / alternative

Chris Corner por lo general produce joyas por álbumes, y Kingdom of Welcome Addiction es una de ellas. Las letras resaltan por la dulce, dramática y a veces andrógina vocalización de Chris y las palabras en sí, siempre poesía y muy personales. Chris Corner siempre ha producido frases inolvidables, de esas que reaparecen en nuestras conciencias y podemos encontrarnos susurrando sin darnos cuenta. Difícilmente puede uno comenzar a escuchar éste disco sin terminarlo. No me atrevo decir que Chris va mejorando con el tiempo, ya que opino de sus discos anteriores que cada cual tiene su encanto, que no es justo compararlos, pero sí que se puede percibir en IAMX una evolución positiva que no afecta su escencia sensible, complicada y hermosa.

IAMX & Imogen Heap – My Secret Friend

Die Form – Noir Magnétique
fecha de lanzamiento: junio 2009
género: Industrial / Electro

El genial dúo francés Die Form nunca decepciona y siempre emociona. Es un proyecto extensamente prolífico cuya temática y estilo, en escencia, ha variado muy poco desde sus comienzos en el 1979 y sólo parece mejorar cada año. Cada vez que me entero que Die Form está a punto de lanzar un nuevo disco, una inquietud infantil se apodera de mí, física y emocionalmente. Como casi toda la colección de Die Form, Noir Magnétique es una obra de arte de principio a fin que se acapara de los sentidos con su fría, poética y cruel sensualidad, más los profundos ritmos decadentes tan difíciles de resistir.

Die Form – Double Life

Marsheaux – Lumineux Noir
fecha de lanzamiento: junio 2009
género: electro / synthpop

Aunque ya había reseñado este disco para el FAblog (aquí), quise incluirlo en ésta lista porque ha sido de mis favoritos del año y, desde su lanzamiento, no he dejado de escucharlo. Siempre que escucho Lumineux Noir, me alegro un poco y sonrío.

Marsheaux – Exit

Clan of Xymox – In Love we Trust
fecha de lanzamiento: agosto 2009
género: darkwave / electro / goth

Tras veinticinco años y una extensa discografía, Clan of Xymox sigue produciendo álbumes que son clásicamente ellos: consistentemente atmosféricos con suficiente melancolía, elegancia, energía y sobre todo, sintetizadores. In Love We Trust es impresionante en la medida que es (y aquí voy) muy agradablemente, más de lo mismo. Cómo una banda de un cuarto de siglo de edad sigue produciendo música de igual calidad es admirable.

Clan of Xymox – Desdemona

Assemblage 23 – Compass
fecha de lanzamiento: octubre 2009
género: EBM / electro / futurepop

Compass es el sexto álbum de Assemblage 23, el proyecto de Tom Shear (también asociado con Bruderschaft), y es muy similar a los anteriores en cuanto a estilo. En algunas pistas incorpora unos toques pop, como en Leave this all behind y Grind, y todas son algo emotivas, algunas con letra de temas futuristas, otras con mensajes trascendentales  a lo VNV Nation, Covenant y antiguo Apoptygma Berzerk. Entiendo que a la larga se puede volver monótono escucharlo, ya que los ritmos y las melodías no varían mucho de una pista a otra, pero en su totalidad, es un buen disco con potencial en la pista de baile que se deja escuchar una tras otra vez.

Assemblage 23 – Compass Mix

Rotersand – Random is Resistence
fecha de lanzamiento: octubre 2009
género: industrial / electro / futurepop

Entre las mejores producciones del 2009, Random is Resistence está en una posición alta en la lista. De principio a fin es un disco imposible de ignorar, cada una de sus pistas siendo irresistiblemente pegajosas y bailables, unas violentas, unas más pop, todas cínicas y todas memorables. Rotersand comunica la condición absurda y desagradable de nuestra realidad social de manera efectiva: con mucha energía y picante sátira.

Rotersand – War on Error

Caroline Gil nos da su opinión sobre la primera producción del supergrupo The Dead Weather.

Time Magazine ha descrito estos míseros diez años pasados como la década del infierno- the decade from hell; en una de sus portadas un bebe en pleno llanto con sombrero de año nuevo, en parte por las grandes cagadas de Bush, el 9-11 etcétera, pero para muchos otros la década del infiero fue aquella que cementó la inhabilidad de escuchar música contemporánea por desmañado y acuosa que sean y lo son, las propuestas musicales.

De las cenizas de la cultura de la porquería nace The Dead Weather paladines del rock and roll condecorados con correas de puyitas y Ray- Bans, súper grupo por una parte (en la vena de Monsters of Folk, Audioslave, Velvet Revolver etc) compuesto por Jack White (The White Stripes, The Raconteurs), Alison Mosshart (The Kills), Dean Fertita (Queens of the Stone Age) y Jack Lawrence (The Raconteurs) y por otra protagonistas de una versión ultra estilizada y lustrosa del rock, no es por menos que su debutante video musical fue dirigido por portador de all things that ooze cool- Jonathan Glazer. The Dead Weather parecen vivir en una ficticia serie de fotografías de Terry Richardson y Harmony Korine dedicadas a practicantes del Wicca. En 2009 el álbum Horehound se dedica al criadero de cuervos, en 2011 todo el colectivo musical de festivales y MTV estará copiando el sonido de este disco, no por prolífico si no porque si hay algo que queda muy presente en el álbum es el dominio de trends. Que te encoje y te avergüenza en temas como en los aullidos y la letra ridícula de Treat Me Like Your Mother pero luego compensa, en lo que para mí es el mejor tema de todo el disco, curiosamente netamente instrumental, 3 Birds un interesante arroz con culo/pollo que logra invocar a Korn (en serio) en fracciones de segundos y arrastrar de las pailas del infierno a Jefferson Airplane. En Will There Be Enough Water otro triunfante tema son evidentes y se exhiben los arcos buenos de este álbum y de agrupaciones como esta, echa un primitivo (por no decir crudo) hibrido de blues-rock bañado de Jack Daniels- fuma Parliament, al caldero, y por mas quiméricos que sean en este grupo hace falta un poco más de muerte en el pronóstico de la música. Guess who might be carrying that gun?

Bernardo Pérez nos trae una doble dosis de metal con reseñas de la nuevas producciones de The Red Chord y Coalesce.

The Red Chord – “Fed Through the Teeth Machine” (Metalblade, 2009)

Tenemos a una banda de mayor aportación al sub-género death-core de los últimos años, con un resumé musical íntegro el cual cuenta con dos producciones memorables: Clients (2005) y Prey for Eyes (2007). La primera es sin duda alguna, una de magnificas proporciones considerada como lo mejor del año y la segunda se ven en la necesidad de explorar con melodías y sonidos provenientes de sintetizadores sin aislarse de sus ya acostumbrados temas de cortes agresivos, rápidos e inesperados. En esta cuarta entrega titulada Fed Through the Teeth Machine encontramos su habilidad de mezclar lo antes mencionado, dejando al descubierto una variedad de elementos con un enfoque más progresivo muy bien ejecutado gracias a la labor intensa de sus integrantes. Un álbum que captura en detalle la intensidad rítmica de la firme y penetrante precisión del baterista Brad Fickeisen y la de su guitarrista y mayor colaborador musical Mike “Gunface” McKenzie cuyos riffs cargados de notas disonantes y discordantes (a veces sludgy) en interpretaciones como Hour of Rats y Demoralizer son alternados con pasajes que no son necesariamente comunes (ej. Hymns and Crippled Anthems) pero que a su vez hacen sentido.

www.metalblade.com

www.blackmarketactivities.com/label/

www.myspace.com/theredchord/

Coalesce – “Ox-EP” (Relapse, 2009)

Se nota que el 2009 es el año de Coalesce. En esta continuación del álbum Ox (Relapse, 2009) demuestran el porqué son una de las mejores bandas técnicas en el ámbito del post-hardcore y metal-core (vease: Botch, Converge) con un perfil creativo transcendiendo este con un estilo simple, dinámico y único que deja asombrados a quien lo escuche. Temas como To My Ruin y The Blind Eye mantienen la esencia clásica del grupo, ambientado por intermedios al estilo medio oeste (ej. Joyless in Life) anteriormente destacados en su pasada producción. Ox-EP contiene un enfoque novedoso que realza la precisión e ira y luego imploran con momentos de reflexión.

www.crashandbang.com/

www.relapse.com/

www.myspace.com/coalesce

En esta entrega, Alejandra Rehuel comenta sobre lo sucedido en el evento Blood Bath Disko.

El pasado sábado 17 de octubre las bandas de electro/noise puertorriqueñas Dacaboya y Post-Nuclear dieron su primer show en vivo en Sopranos (Cataño). Fueron los grupos invitados al Blood Bath Disko, un evento temático a lo “Club Kids” planificado por Radio Clandestina. Ambos grupos, a pesar de ser bastante underground, comprobaron tener una fanaticada bastante formidable; ésto se demostró a través del entusiasmo de parte del público y la cantidad de personas que asistieron, muchos de ellos exclusivamente para ver el espectáculo.

La presentación de Dacaboya fue muy interesante. Proyectó imágenes en pantalla mientras tocaba que ayudaban a comunicar la esencia tras su música: comentarios sociales que incluyen la paranoia, manipulación y acondicionamiento psicológico de las masas. El resultado de velar las imágenes al ritmo de la música fue hipnótico. Eric estaba muy concentrado, con ambas manos ocupadas e inquietas sobre su laptop y consola.

Para más información sobre su proyecto y una corta entrevista, pulsa aquí.

Muestras del show de Dacaboya:

La respuesta de muchos en el público es que hacía mucha falta un performance de este tipo y de éste género, que no habíamos podido apreciar hace años, desde Cenotype en el Industrial Madness (2006).

Post-Nuclear mostró ser un grupo muy visual. Barbie Blasphemy, el fundador de la banda, nunca se ha visto menos que fabuloso y muy llamativo en cuanto a su apariencia: es un artista de maquillaje, estilismo y moda, un aspecto que resalta el carácter estético de su música.
En tarima, ambos cantantes participaban de una coreografía que, dado su vestuario, al igual que el de los dos bailarines adicionales, creaban silhuetas que parecían sobrehumanas. Sobre botas de plataforma que resaltaban la estatura de los chicos, sus figuras delgadas y sus peinados en dreads, más los movimientos mecánicos del baile, el performance tenía un aire tribal, futurista y místico.

Para el artículo sobre Post Nuclear, pulsa aquí.

En fin, la noche fue muy divertida. Fue una oportunidad para todos los que disfrutan de preparar y mostrar sus atuendos despampanantes, o, para los que disfrutan la época de Halloween, de rendir la celebración disfrazándose por adelantado.

Sarah y Javier, primer y segundo lugar en el concurso de “mejor atuendo”

Los DJ’s Wanker y Satamusic complacieron a todos los que llegaron con ganas de bailar, llenando la pista con sus setlists de electro, synthpop y electroclash.

Tras un debut tan exitoso, todos esperamos ver a los grupos que presentaron tocando más a menudo.

Para más fotos, música e información acerca de Dacaboya y Post-Nuclear, visita sus páginas de myspace enlazadas anteriormente. Puedes descargar una pista gratis de cada uno en The Red Realm.

En esta entrega, Caroline Gil nos trae una reseña del libro Los Rolling Stones en Perú.

El disco Love you Live (1977) con la carátula de Andy Warhol empolvaría en uno de los ofensivos muebles de mimbre de mi casa como reliquia a la deriva, a no ser de pasarlo para a’lante. Sergio Galarza y Cucho Peñaloza nos narran en Los Rolling Stones en Perú el trayecto de los stones desde extravagantes hoteles en Lima a rodajes y fiestas en la selva amazónica  a través de anécdotas de gente de alta sociedad que se codeaban con el grupo más grande de la historia, sin necesidad de salvaguardarse en autógrafos, stubs de conciertos, fotografías o películas súper 8mm y fetiches de esa índole.

Centrándose en anécdotas, el libro emprende cuesta arriba como exploradores senderistas usaron como apoyo la visita del grupo a Perú, motivada en parte por el interés de Mick Jagger y Keith Richards en el ocultismo y misticismo, el anonimato que ofrecería el país; al huirle a varios problemas legales al unísono de  Marianne Faithfull- “My first move was to get a Rolling Stone as a boyfriend. I slept with three and decided the lead Singer was the best.” Y Anita Pallenberg, ahora compañera de Richards y ex del acabado de morir, Brian Jones. Real cocksucker blues. Luego en 1981 Mick Jagger volvería para acumular credenciales interpretativos en  el rodaje de Fitzcarraldo (1982) de Werner Herzog. Donde Herzog eliminaría todo su papel del montaje final, a pesar de aclamarle por sus dotes de actor. El libro se traga en sus páginas las rememoraciones de las personas que entraron en contacto con el grupo, la edificación del personaje de Jagger, como de que su ladrido es más feroz que su mordida, y finalmente un mega tierno meta ensayo donde Cucho Peñaloza sigue al grupo en su gira del disco Steel Wheels (1989) le grita a Mick Jagger en desespero de fanboy total: “Mick, remember Iquitos?” mientras agarraba la foto que le da carátula al libro; la foto de un chico de la selva peruana que había ganado un concurso de dobles de Mick Jagger. Aunque cuente con este fantástico recuento, es una pena que el libro se suspenda en sus 172 páginas y no explore la influencia del grupo en Perú o en países Latinoamericanos y más bien, la influencia de la cultura pop y el rock n’ roll en países que han sufrido dictaduras devastadoras, colonización etc  y como se transforma la música de un acto mimético a algo netamente suyo, autóctono.

Ñapa:

Dad Rock: Rock n’ Roll americano con mucho Folk…o eso creo yo.

Wilco es de esas bandas que son un millón de veces mejor en concierto que en disco. Aunque todas sus producciones son buenas, verlos en vivo es increíble. Yo no era tan fanático hasta que los vi en diciembre. Por eso, cuando me enteré que salía una DVD con una selección de canciones parecida a la que vi, casi lloro.

Aunque hay miles de bootlegs, un doble disco en vivo y un billón de videos en youtube de Wilco en concierto, no es lo mismo que poder apreciarlo en alta calidad y ver detalladamente lo que hace cada integrante. Ahora mismo, ellos son seis, y cada uno aporta muchísimo. Una de las mejores partes es ver a Pat Sansone en acción. Este toca de todo, slide guitar, guitarra, teclados, percusión adicional, hace coros, etcétera.  Es el encargado de las sutilezas que hacen esta alineación de Wilco mi favorita.

Por otra parte, el guitarrista principal, Nels Cline es una máquina. Tiene un estilo clásico de solear, pero a la vez experimenta con efectos, feedback y ambientación. Espero que nunca salgan de él, porque no me imagino a nadie que lo pueda sustituir. Un guitarrista demasiado versátil y con mucho estilo.

El resto de la banda también es impresionante. Mikael Jorgensen tiene una sensibilidad única en el teclado y manipulación de ruidos. De igual manera, Glenn Kotche es un baterista ridículamente creativo y talentoso. El más subestimado es el bajista, John Stirratt. Sin embargo, Jeff Tweedy, compositor principal y líder de la banda, deja bien claro que sin Stirratt no hay Wilco. Ya con eso no tengo que abundar.

Continuando con el documental, las entrevistas y las tomas “backstage” nunca son extremadamente largas ni aburridas. Fluyen muy bien entre las canciones que presentan. En fin, captura la esencia de Wilco como unidad, como personas y como una excelente banda en vivo.

Trailer:

Rubén González del blog Laser Eater nos entrega su primera colaboración a frecuenciasalternas.com: un reseña del nuevo trabajo de la agrupación canadiense Metric.

Estoy 100 por ciento seguro de que cuando Metric se reunió para ver que nombre le correspondía  a su cuarto disco de larga duración, Fantasies era el peor en lista. Si vas a buscarlo a tu tienda de discos favorita y no aparece, te da hasta vergüenza preguntar por su disponibilidad a cualquier empleado.

Pero ya, se acabó la negatividad.  Aunque se tardaron  cuatro años en 10 canciones, la espera valió la pena.

Metric empezó como un dúo, que desde su primer álbum, Grow Up and Blow Away (1999), jugaba con melodías pegajosas, rock n roll, new wave y pistas electrónicas. Sin embargo, con el paso del tiempo el grupo empezó a convertirse más en una banda de rock.

Old World Underground, Where Are You Now? (2003), aunque mantiene la delicadeza de su álbum debut, suena muchísimo más sólido porque fue grabado con banda completa. Joules Scott Key (batería), y Josh Winstead (bajo) hacen su primera aparición juntándose con los fundadores del grupo, Jimmy Shaw (guitarra y producción) y Emily Haines (voz, sintetizadores y teclados).

Con Live It Out (2005), la banda se aleja más del sonido con el que empezó y se recuesta más de sus influencias rock n roll. También, experimenta un poco más con efectos y distintas formas de ambientar las canciones.

En términos de estilo, Fantasies (2009) suena un poco más a los primeros dos discos. Hay más canciones en donde incorporan mucho el sintetizador, vuelven las baterías programadas y regresan a un territorio más pop. No obstante tiene  canciones de rock puro cómo “Satellite Mind”, “Front Row” y “Stadium Love”.

A diferencia de sus demás esfuerzos con Metric, Haines casi no toca temas políticos y lanza muy pocas críticas. Los temas de las canciones son mucho más personales, optimistas y poéticos. Un acercamiento que le queda mil veces mejor.

La dirección de la producción  es otra particularidad. En esta ocasión, todas las piezas están repletas de detalles y capas de sonido que le dan mucha personalidad al disco. Aún así, nunca suena sobre-producido. Todo lo contrario, hace que suene igual o más explosivo que Live It Out, pero con menos distorsión.

Fantasies nunca es o muy new wave o muy rock o demasiado pop. Si es cierto que no explora mucho territorio nuevo, pero el cuarteto trabajó esas 10 canciones al máximo. Se nota que  el enfoque fue  mucho más en producir melodías de calidad que en algo que experimente con el único propósito de complacer a otros o sorprender. Por eso mismo, Metric ha podido encontrar su propio sonido moderno y sin pretensiones.

A continuación el señor Jose “Cheo” Fernandez comparte con nostros sus impresiones sobre la primera noche de las presentaciones de Superaquello este pasado fin de semana en La Respuesta.

La noche del 3 de abril de 2009, en el local La Respuesta de la Avenida Fernández Juncos fue el momento y lugar, respectivamente, que escogió Superaquello para retornar al escenario a dar un recital y estrenar en publico el material de su mas reciente producción “Superaquello Interpreta Latarde”.  Y, damas y caballeros, que noche esa noche…

La primera de lo que fueron dos intensas funciones ofrecidas por la banda el pasado fin de semana comenzó con la sobria apertura del proyecto musical de Kristian Prieto, (mejor conocido como Harry Rag) hombre y su guitarra en plan contemplativo, poniéndole el toque inicial a una noche que estaba diseñada para atraer tanto a recientes conversos (como lo seria vuestro servidor), como a los fieles feligreses de siempre, recordando espectáculos legendarios como los que ofrecieron a finales de los 90 y principios del 2000 en sitios como La Pregunta, Don Pablo y Café Matisse.

Acompañados por los nuevos miembros Doel Delgado, (bajista original de la ahora fenecida banda Rituales) y Eduardo Martinez (baterista del también fenecido proyecto Trapnel),  Eduardo Alegria, Francis Perez, Patricia Davila y Jorge Castro reafirmaron su condición de vara medidora en el ambiente musical puertorriqueño, interpretando un escogido de canciones que recorrió la totalidad de mas de diez años de su historia, comenzando con “Zahori” y “Cuerdo”, dos de las nuevas adiciones a su cancionero, y pasando por temas de sus producciones Mu-Psiqui-Ta, La Emergencia y Bien Gorgeous, cuyo tema homónimo logro hacer que La Respuesta estallará en un frenesí de baile y celebración por el hecho de que Superaquello existe y se encuentra entre nosotros.

La banda también se encontró apoyada visualmente por un juego de luces tenue y un colorido tapiz confeccionado por la artista visual Chaveli Sifre que junto a la experta mano del Nicolas Linares en la mezcla de sonido, ayudaron a los presentes a entrar en la melancolia tecnicolor que permea la experiencia de lo que es un recital de Superaquello.

Hace 7 años, la cantautora norteamericana Tori Amos lanzó un álbum fuera de lo usual, compuesto completamente de covers, en el cual a cada canción le asignó un personaje distinto, como un desdoblamiento de sí misma, pero dentro de un marco teatral, como protagonista de su propia obra. Aquél álbum se llamaba Strange Little Girls, y mirándolo en retrospectiva nos ofrecía un teaser de lo que sería un real desdoblamiento de Tori 7 años más tarde.

American Doll Posse es un álbum de Tori Amos … pero también es el álbum de Isabel, Clyde, Pip y Santa. Estas son las otras 4 identidades que Tori, mediante experiencias en su vida (y seguramente a través de la madurez que le han aportado los años), no sólo ha reconocido, sino que deja salir libremente en este último álbum. Cada una de ellas se refleja como un individuo separado de Tori, pero sin dejar de ser parte de la misma. También se les ha asociado con diferentes figuras de la mitología griega, lo cual hace de este producto uno deliciosamente complejo, digno de un estudio más profundo que simplemente escuchar el álbum par de veces en un reproductor.

No obstante, el escuchar el álbum también trae su placer de simple disfrute. La propuesta de musical de Tori en este álbum se nota más agresiva, comenzando con la colección de letras: algunos opinan que ella entró tarde a la “moda” de criticar abiertamente la política actual de los Estados Unidos,como lo hace de modo jocoso en “Yo George”, o en un tono más serio en “Dark Side of the Sun”. Sin embargo, tarde o temprano, su expresión de disención no se sustrae de su estilo sincero y ácridamente tierno. Otras canciones tocan temas más personales, pero sin embargo el modo de expresión los ha convertido en denuncias a problemas que aquejan al género femenino globalmente. Este disco no solamente habla de Tori, habla de las mujeres en general: las mujeres ante la política, la guerra, la sociedad, ante los hombres, y sobre todo ante sí mismas.

La agresividad de las temáticas se ha traducido también al sonido de Tori: algunos, especialmente los fans de la Tori trovadora y pianista, encontrarán muchos de los cortes recargados en cuanto a su arreglo musical. Y es que efectivamente, hay muchas canciones que se van por el lado “pesado”, inclusive hay cortes que traen a primer plano la influencia de Kate Bush , como “Teenage Hustling”. Pero ésto lo compensa con cortes suaves, como”Girl Disappearing” y “Roosterspur Bridge”, recordándonos que Tori continúa su romance de años con el piano. En este álbum se encontrará un poco de todo, para satisfacer a los fans de todas las facetas de Tori Amos. Es un collage del entero espectro musical que puede recorrer la artista, en el que todas las imágenes tienen un factor en común: se trata de Tori, de todas las Toris que hemos conocido y que ahora podemos ver.

Cortes Favoritos: “Girl Disappearing”, “Digital Ghost”, “Bouncing Off Clouds”, “Velvet Revolution”, “Smokey Joe”

Enlaces recomendados: American Doll Posse @ Wikipedia