Alejandra Reuhel nos trae un nueva recomendación musical.

Vision Talk es otra banda sueca de synthpop más que es absolutamente genial por la manera en que balancea fantasías espaciales con emociones humanas, influencias de italo disco con el synthpop tradicional, composiciones retro-futuristas con manifestaciones de voz masculina y femenina.

El grupo debutó el año pasado con el álbum Dirty Italo Disco, y Elevation, lanzado en marzo de este año bajo Space Sound Records, es su segundo. La versión limitada de Elevation incluye un disco adicional con una cantidad generosa de remezclas de canciones del álbum anterior y dos covers: el clásico Diamanter de Lustans Lakejer y Slice me Nice de Fancy, delatando dos de sus obvias influencias y a la vez proveyendo interpretaciones contemporáneas de éstas canciones originalmente de hace casi dos décadas.

Elevation es pegajoso de principio a fin, variando los ritmos y temática de pista en pista, haciéndolo una colección de pequeñas historias (para aquellos que disfrutan de escuchar la letra). En Sirius B, Richard Flow nos canta un relato paranoide sobre la vida extraterrestre que nos examina desde las estrellas, basado en rumores de conspiración. I’m Not Like You es una de las más absurdamente entretenidas. Vocalizada completamente por la fémina Mimmikry, es sobre una exploradora que se encuentra atrapada en una nave de una civilización alienígena y está sufriendo las consecuencias psicológica y físicamente.

Basado en sus dos discos, creo que el grupo merece más reconocimiento del que actualmente tiene, ya que aún es bastante underground, y espero con ansias su nuevo material.

Dina Tankar, de Dirty Italo Disco, cuya versión demo se encuentra en el segundo disco de la edición limitada de Elevation.

Pueden escuchar más en su perfil de myspace y su canal en youtube.

Alejandra Reuhel comparte sus producciones favoritas lanzadas en el 2009.

El recordar momentos del año durante su despedida o a comienzos del próximo es un ritual común. Muchos atamos recuerdos a ciertos álbumes de música (o vice versa), utilizándolos como marcadores en el tiempo. Acabándose el 2009, mientras hacía un recuento mental de los eventos memorables del año, inevitablemente me recordaba de ciertas canciones, de la misma manera en que algunas canciones me recuerdan momentos específicos. Soy de esas personas que escuchan un mismo disco en repeat hasta el cansancio (y no necesariamente el propio, sino del vecino), y por tal razón se me hace fácil trazar la cronología de mi año de acuerdo a los discos lanzados cerca de esas fechas.

En homenaje al 2009, comparto con ustedes ésta lista de discos lanzados durante al año. A demás formar parte de mi banco de memorias personales, tambíen tienen en común el que todos pertenecen a un subgénero u otro de música electrónica. No son lo mejor del 2009, y en algunos casos, mucho menos lo más popular del 2009; la lista era más larga y merece ser más larga, pero enero está por terminar y diez es suficiente. Por ende, he aquí los diez discos (disque) deleitables del 2009.

Depeche Mode - Sounds of the Universe
fecha de lanzamiento: enero 2009
género: synthpop

Un amigo mío comentó que éste disco es de los que gustan más a medida que uno los sigue escuchando, y estoy de acuerdo. Tuve que escuchar este disco más de cinco veces para finalmente aceptarlo como, valga la redundancia, aceptable. Mis discos preferidos de Depeche Mode son los producidos durante la década de los ochenta (pre Violator) por su naturaleza cheesy (una cualidad que atesoro en el synthpop), pero continúo escuchando su material nuevo por curiosidad y costumbre. Playing the Angel fue muy bueno y nos creó expectativas para el próximo; cuatro años luego nos dan Sounds of the Universe, que no se compara. El problema con la mayoría de las pistas de Sounds of the Universe es que pasan desapercibidas, como música de fondo, resultando en lo que considero un disco un poco aburrido.
Sin embargo, el video de la canción Wrong es menos aburrido en la medida que es perturbador.

Depeche Mode – Wrong

Combichrist - Today we are all Demons
fecha de lanzamiento: enero 2009
género: EBM / aggrotech/ industrial

Hay quienes aprecian la variedad de la experimentación y evolución marcada entre los discos de cierta banda o artista, y hay quienes, como yo, que disfrutan de la consistencia y no les molesta escuchar “más de lo mismo”. Combichrist es el tipo de grupo que aún no me ha decepcionado porque siempre sabemos que esperar de cada disco nuevo: ritmos enérgicos, pegajosos y repetitivos, temas satíricos de violencia, sexo y comentario social, sampling, y la expectativa de que sus sencillos van a sonar en la pista una tras otra vez. Today we are all Demons sigue el patrón de los discos anteriores de Combichrist. Es, muy cómodamente, más de lo mismo. Aún, las pistas tienen un parecido entre sí, Today we are all Demons siendo la más notablemente diferente, por ser la de los menos bpm y la inclusión de un fantasmal piano. Pero la repetición no alcanza la monotonía y el disco se deja escuchar. Muchas veces.

Combichrist – Kickstart the fight

Fever Ray – Fever Ray
fecha de lanzamiento: marzo 2009
género: electro / ambient / pop

Karin Dreijer Andersson, más conocida como integrante del dúo The Knife, debuta como solista el año pasado con el primer disco bajo Fever Ray, un proyecto más intenso que a lo que nos acostumbró The Knife. Las canciones de Fever Ray son densas, como un pesado sueño, y el disco como un sueño prolongado, a veces bordeando en una pesadilla incoherente. El sonido es agudamente atmosférico y, aunque bonito, en muchas ocasiones aluden a la demencia. Las alteraciones en la voz de Karin, la progresión lenta y ansiosa, y la letra en sí es poesía. La experiencia es como tratar de decifrarla – o quizás no, pero aún sin nuestros esfuerzos, Fever Ray alimenta la imaginación.

Fever Ray – Keep the Streets Empty for Me

Rupesh Cartel – Anchor Baby
fecha de lanzamiento: abril 2009
género: pop / synthpop /electro

Anchor Baby, el tercer disco del dúo sueco Rupesh Cartel, aunque no dramáticamente diferente a sus precursores, carece del elemento que los hacía resaltar en Mainland y The Disco and the Whatnot. Anchor Baby tiene un sonido un poco genérico, quizás más llano que los anteriores, pero aún así no deja de ser un disco bueno. (Excepto en comparación a los anteriores. ) Recomiendo éste disco para bailar con la sombra en la pared un sábado por la noche si te encuentras solo en tu casa.

Rupesh Cartel – Imperial

IAMX – Kingdom of Welcome Addiction
fecha de lanzamiento: mayo 2009
género: electro / pop / alternative

Chris Corner por lo general produce joyas por álbumes, y Kingdom of Welcome Addiction es una de ellas. Las letras resaltan por la dulce, dramática y a veces andrógina vocalización de Chris y las palabras en sí, siempre poesía y muy personales. Chris Corner siempre ha producido frases inolvidables, de esas que reaparecen en nuestras conciencias y podemos encontrarnos susurrando sin darnos cuenta. Difícilmente puede uno comenzar a escuchar éste disco sin terminarlo. No me atrevo decir que Chris va mejorando con el tiempo, ya que opino de sus discos anteriores que cada cual tiene su encanto, que no es justo compararlos, pero sí que se puede percibir en IAMX una evolución positiva que no afecta su escencia sensible, complicada y hermosa.

IAMX & Imogen Heap – My Secret Friend

Die Form – Noir Magnétique
fecha de lanzamiento: junio 2009
género: Industrial / Electro

El genial dúo francés Die Form nunca decepciona y siempre emociona. Es un proyecto extensamente prolífico cuya temática y estilo, en escencia, ha variado muy poco desde sus comienzos en el 1979 y sólo parece mejorar cada año. Cada vez que me entero que Die Form está a punto de lanzar un nuevo disco, una inquietud infantil se apodera de mí, física y emocionalmente. Como casi toda la colección de Die Form, Noir Magnétique es una obra de arte de principio a fin que se acapara de los sentidos con su fría, poética y cruel sensualidad, más los profundos ritmos decadentes tan difíciles de resistir.

Die Form – Double Life

Marsheaux – Lumineux Noir
fecha de lanzamiento: junio 2009
género: electro / synthpop

Aunque ya había reseñado este disco para el FAblog (aquí), quise incluirlo en ésta lista porque ha sido de mis favoritos del año y, desde su lanzamiento, no he dejado de escucharlo. Siempre que escucho Lumineux Noir, me alegro un poco y sonrío.

Marsheaux – Exit

Clan of Xymox – In Love we Trust
fecha de lanzamiento: agosto 2009
género: darkwave / electro / goth

Tras veinticinco años y una extensa discografía, Clan of Xymox sigue produciendo álbumes que son clásicamente ellos: consistentemente atmosféricos con suficiente melancolía, elegancia, energía y sobre todo, sintetizadores. In Love We Trust es impresionante en la medida que es (y aquí voy) muy agradablemente, más de lo mismo. Cómo una banda de un cuarto de siglo de edad sigue produciendo música de igual calidad es admirable.

Clan of Xymox – Desdemona

Assemblage 23 – Compass
fecha de lanzamiento: octubre 2009
género: EBM / electro / futurepop

Compass es el sexto álbum de Assemblage 23, el proyecto de Tom Shear (también asociado con Bruderschaft), y es muy similar a los anteriores en cuanto a estilo. En algunas pistas incorpora unos toques pop, como en Leave this all behind y Grind, y todas son algo emotivas, algunas con letra de temas futuristas, otras con mensajes trascendentales  a lo VNV Nation, Covenant y antiguo Apoptygma Berzerk. Entiendo que a la larga se puede volver monótono escucharlo, ya que los ritmos y las melodías no varían mucho de una pista a otra, pero en su totalidad, es un buen disco con potencial en la pista de baile que se deja escuchar una tras otra vez.

Assemblage 23 – Compass Mix

Rotersand – Random is Resistence
fecha de lanzamiento: octubre 2009
género: industrial / electro / futurepop

Entre las mejores producciones del 2009, Random is Resistence está en una posición alta en la lista. De principio a fin es un disco imposible de ignorar, cada una de sus pistas siendo irresistiblemente pegajosas y bailables, unas violentas, unas más pop, todas cínicas y todas memorables. Rotersand comunica la condición absurda y desagradable de nuestra realidad social de manera efectiva: con mucha energía y picante sátira.

Rotersand – War on Error

Miguel Santos reseña Glitter and Doom, fantástico y sombrío engendro musical de Tom Waits.

En este album y gira musical, Waits parece sintonizar, hasta cierto grado, el espectro de Mr. Nick, el delicioso Diablo en la pelicula The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009).

El 24 de Noviembre del 2009 emergió a la venta un siniestro y grato proyecto musical invocado por Tom Waits. Su nuevo álbum es un ilustrado surtido de canciones elegidas de sobresalientes funciones grabadas en su tour Glitter and Doom que tomo lugar de Junio a Julio del 2008 en Estados Unidos y Europa.

Este álbum se inscribe a la proverbial retórica y tempo oscurantista de Waits, sus relatos se vierten sobre ti como un mensaje recóndito enviado de alguna dimensión donde el cataclismo arribo hace mucho, pero después de este la vida continua en disímiles formas, procedimientos y tejidos. Glitter and Doom parece un libro  perdido de cuentos fantásticos y terribles, documentación de experiencias y localidades mas allá y mas acá. Son crónicas que nos contamos en la Polis, mascara gourmet de opresión y buena nueva. Glitter como el encanto discursivo, ese comfort y ese éxtasis de participar en el carnaval pintoresco social.

Por el otro lado Doom, el pus de la sub-tierra, lo oculto e invisibilizado, la perdición garantizada. Como cualquier arquitectura aquí se intenta ir más allá del brillo y la perdición. Sus líricas distopicas y disvangelicas son historiografías para monstruos, repletas del honor y tragedia teológica estrellada en una intoxicación perceptual macabra.

¡La palabra en el tour Glitter & Doom!

La travesía comienza con una fusión de las canciones Lucinda/Aint Going Down “Well they call me William the pleaser, I sold opium, fireworks and lead… When the shadows get long I be dead / I’m a true believer I’m a true believer aint going down.” Waits como profeta y testigo relata las trasfiguraciones físicas y psíquicas a las que nos debemos entregar para constituir capullos de supervivencia desde la cotidianidad odiosa de transitar en el automóvil, o en la calle o algún cuarto, buscando el pan de cada día a diestra y siniestra.

Mas tarde con Fannin Street pacientemente el maestro Waits te instruye para sobrevivir una navegación de las calles y rincones urbanos inundados de daño colateral por las alcantarillas, “Don’t go down to fannin street, you’ll be lost and never found, you can never turn around, don’t go down to Fannin Street.” Con esa cierta leucemia de desesperación y enajenación industrial del delight y el espectáculo que se piensa progresista, reímos para vivir.

Las melodías de su Blues se nutren en la mugre de la Ciudad con sus historias y conspiraciones en cada cuarto, poro y sombra. The part you throw away, desifra y desinfla la sagacidad en nuestros afectos, rindiéndonos a una concreta humildad de lo que somos, esas zonas afectivas donde todas las memoria de nuestros odios y amores terminan extintas por una dulce entropía. “Well, all of your letters burned up in the fire time is just memory mixed in with Desire. That’s not the road it is only the map… I say gone just like matches from a closed down cabaret in a Portuguese Saloon” Las circunstancias hostiles y apócrifas como ellas solas van susurrándole a Waits los secretos, este encarna una figura de redención después que se vino abajo el mundo y la Caída se hizo inevitable.

El álbum son dos discos compactos, el primero abarca un surtido de 16 canciones, el segundo disco llamado Tom’s Tales contiene 35 minutos de Waits el peregrino y cronista perverso contándole historias y cuentos a la muchedumbre mutante que se reúne a escuchar su palabra fusionada a burlescas melodías de fondo. Tom Waits se presenta como el gran storyteller, narrándonos de los horrores y el glamour del pasado, presente y futuro en eterna pérdida indescifrable.

Aquí un trozo de la ceremonia que te librera de la fe…

Finalizo con un fragmento de sus apetitosos cuentos, Tom’s tales…

“I’m gonna have to take over… Oh, oh, way down in Oklahoma we went to the Spam museum, that was really amazing. They’ve got stuff carved out of Spam, they have portraits of people carved out of Spam… never seen anything like it, but as a Spam fan, I took some of that home with me and I got some of that in my living room and all like little portraits, you know, and “Whoa, whoa… what is that Tom, what is that?” and I said: “Whoa, it’s Spam, it’s Spam”. The thing is it never really deteriorates, the smell is not like it’s decomposing… it’s impossible for it to decompose… and that’s what you’re smelling is really the freshness of it, the eternal freshness of it… it’s kind of embalmed meat is what it really is… what? Oh, oh, oh…I read today that one out of every ten men is important. One out of every ten… and then I realized I read it wrong, I went back and it said “One out of every ten men is impotent”. I don’t know how I changed… I left the R out… so which are you, are you important or are you impotent? I guess that’s all there is to choose from.”

Caroline Gil nos da su opinión sobre la primera producción del supergrupo The Dead Weather.

Time Magazine ha descrito estos míseros diez años pasados como la década del infierno- the decade from hell; en una de sus portadas un bebe en pleno llanto con sombrero de año nuevo, en parte por las grandes cagadas de Bush, el 9-11 etcétera, pero para muchos otros la década del infiero fue aquella que cementó la inhabilidad de escuchar música contemporánea por desmañado y acuosa que sean y lo son, las propuestas musicales.

De las cenizas de la cultura de la porquería nace The Dead Weather paladines del rock and roll condecorados con correas de puyitas y Ray- Bans, súper grupo por una parte (en la vena de Monsters of Folk, Audioslave, Velvet Revolver etc) compuesto por Jack White (The White Stripes, The Raconteurs), Alison Mosshart (The Kills), Dean Fertita (Queens of the Stone Age) y Jack Lawrence (The Raconteurs) y por otra protagonistas de una versión ultra estilizada y lustrosa del rock, no es por menos que su debutante video musical fue dirigido por portador de all things that ooze cool- Jonathan Glazer. The Dead Weather parecen vivir en una ficticia serie de fotografías de Terry Richardson y Harmony Korine dedicadas a practicantes del Wicca. En 2009 el álbum Horehound se dedica al criadero de cuervos, en 2011 todo el colectivo musical de festivales y MTV estará copiando el sonido de este disco, no por prolífico si no porque si hay algo que queda muy presente en el álbum es el dominio de trends. Que te encoje y te avergüenza en temas como en los aullidos y la letra ridícula de Treat Me Like Your Mother pero luego compensa, en lo que para mí es el mejor tema de todo el disco, curiosamente netamente instrumental, 3 Birds un interesante arroz con culo/pollo que logra invocar a Korn (en serio) en fracciones de segundos y arrastrar de las pailas del infierno a Jefferson Airplane. En Will There Be Enough Water otro triunfante tema son evidentes y se exhiben los arcos buenos de este álbum y de agrupaciones como esta, echa un primitivo (por no decir crudo) hibrido de blues-rock bañado de Jack Daniels- fuma Parliament, al caldero, y por mas quiméricos que sean en este grupo hace falta un poco más de muerte en el pronóstico de la música. Guess who might be carrying that gun?

Miguel Santos reseña las sutilezas anímicas de Blakroc, colaboración musical entre Los Black Keys y varios artistas de cremoso Hip hop.

El Viernes negro, 27 de Noviembre 2009 hizo su aparición el prometido álbum Blakroc, colaboración entre los Black Keys con más de media docena de sofisticados cantantes de Hip Hop como Ol’ Dirty Bastard, Mos Def, RZA, Nicole Wray, Billy Danze y Jim Jones entre otros. Me complace decir que hubo un muy sabio escogido de voces, cortesía de las conexiones de Damon Dash que contacto a la banda para alguna posible colaboración. De esa conversación de dieron las condiciones para que en 11 días en algún estudio de Williamsburg, Brooklyn se creará el suculento susodicho: Blacrok.

Mos Def y Dan Auerbach

Los Black Keys llevan desde principios de los 2000 cultivando unos de los sonidos de blues y rock más bestiales y sombríos, arropándose en las variaciones las imperfecciones auditivas que el Blues requiere para dar  o quitar forma al sabor de nuestros juicios.

Dan Auerbach y Damon Dash

Dan Aurbach, el vocalista y guitarrista hace muchos de los coros que te desgarran con facilidad; inclusive  realiza dúos con algunos de los cantantes, complementando con su voz sobria, cargada  a veces con serenidad y otra veces con el manar necesario para sobrevivir en una ciudad. La melodía en las canciones esta empapada de consonancias muy variadas unas canciones se lanzan a apreciar un Funk, otras usurpan instruidamente de Rhythm & blues, Trip Hop a un juguetón sonido Psicodélico.

BlackRoc: Ain’t Nothing Like You (Hoochie Coo) Feat. Mos Def & Jim Jones

Patrick Carney sigue propagando la resonancia y el santo retumbar de su instrumento, crispy y relleno, pautando las líneas esqueléticas para que las melodías solapadas y reconfortantes de Aurbach se manifiesten. En definitiva esta joya va a confundirte, no sabrás exactamente como posicionarte en cuando a las canciones,  ya que se te pintara en el cráneo tantas narrativas auditivas; ricas fibras de donde (des)enfocarte y respirar dando con el zapato al piso y/o moviendo las caderas y el cuello sosegado en algún trance digno de aquellas carreteras chocarreras que todo animal con apetito Soul transita en contentura.

BlakRoc: What You Do To Me Feat. Billy Danze, Jim Jones & Nicole Wray

En esta entrega, Alejandra Rehuel reseña el nuevo disco de Parralox.

El duo de synthpop australiano Parralox es una joya que amerita más reconocimiento, ahora más que antes, con el lanzamiento de su nuevo disco, State of Decay, el 13 de noviembre de este año.
Es uno de esos grupos salidos de la red, ya que su popularidad se apoya en los medios cibernéticos para nuestro beneficio, y su esfuerzo parece ser uno bastante exitoso.

Se caracterizan por un sonido refrescante y a la vez familiar, muy generosos con las diferentes voces y efectos de sintetizador que emplean en cada una de sus composiciones. Sin duda están inspirados por el New Wave y synthpop de los ochenta, pero en State of Decay hay toques muy perceptibles de Disco setentoso, a la vez preservando su sonido particular.

El haber incluido la colaboración de dos integrantes invitados para esta producción añade una profundidad ausente en el disco previo, Electricity. En pistas como Moonwalking, Beautiful World y Isn’t it Strange, el bajo, la percusión y la aportación de sintetizadores adicionales hacen una diferencia muy favorable que sólo permite esperar que sigan mejorando.
El disco entero es un viaje a un pasado futurista, o a un futuro retro. En cuanto a selecciones para la pista de baile, hay mucho de donde escoger.

Video de Hotter, sencillo que forma parte de State of Decay.

Pueden escuchar sus nuevos sencillos en su perfil de myspace y muzicos.org.

El disco de edición limitada (a mil copias en CD) se puede ordenar a través de conzoom records, y en formato digital a través de amazon.com.

El señor McCloskey comparte sus impresiones del nuevo disco de Converge.

Tres años después de su explosivo disco No Heroes, Converge vuelve a desgarrarnos los oídos con Axe To Fall, abriendo un capitulo más en su conquista del mundo de la música extrema.  Esta legendaria banda, que cementó su posición desde el 2001 al lanzar Jane Doe, álbum que es reconocido como uno de los 10 discos más influyentes en la música de la ultima década, ha logrado continuar con un legado de consistencia envidiable en la calidad de sus producciones, al igual que su incesante ética de tocar en vivo.  No tengo idea donde sacan el tiempo para escribir y grabar, tomando en cuenta que están de gira el año entero, pero estoy sumamente agradecido que encuentran una manera de seguir vomitando música de calidad.

¿Por qué vomitando?  Porque uno de las características claves de Converge es como transmiten una cortante furia ante la desilusión de una manera tan pura a través de sus canciones. Axe To Fall no es excepción.  Aunque suene imposible, la banda suena más rabiosa que nunca, algo que se nota con el anzuelo que te entierran en la boca desde el primer tema, Dark Horse, que no baja su violenta intensidad de hardcore técnico y disonante hasta cinco canciones más tarde.  Las acrobacias manuales de Kurt Ballou (guitarras) y Ben Koller (batería) están en un punto de complejidad y madurez difícil de igualar, que junto al dominio de Nate Newton en las frecuencias bajas y la tajante voz de Jacob Bannon forman una fuerza imparable de destrucción auditiva.

La banda demuestra control dinámico y fuerza creativa de diferentes maneras en el disco, no solo con velocidad y urgencia, si no con temas que acaparan otro lado de la moneda: la intensidad más lenta influenciada por el stoner rock y el doom metal, pero sin perder la esencia de la banda.  Este otro sabor de Converge se distingue en temas como Worms Will Feed y Damages, cuales crean un relieve refrescante en el flujo del disco, algo que funciono con excelencia en Jane Doe y funciona de igual manera en Axe To Fall sin sonar para nada formulaico.  Contrastando con ambos, el tema Cutter integra un feeling de thrash metal bien notable a los riffs disonantes que identifican a la banda.

Axe To Fall contiene un elemento que se utilizó a buen efecto: el uso de músicos invitados.  Con una lista impresionante de músicos y vocalistas invitados que incluyen a John Pettibone (Undertow, Himsa), Ulf Cederlund (Entombed, Disfear), F. Sean Martin (Hatebreed), George Hirsch (Blacklisted), Steve Rodsky, Adam McGrath y J.R. Connors de Cave In, Mookie Singerman, Hamilton Jordan y Michael Sochynsky de Gengis Tron y Steve Von Till (Neurosis).  El arte de cómo Converge utilizó sus invitados es que aunque enriquecen los temas en cuales colaboran, no detractan del sonido ni la identidad de la banda.

Estas colaboraciones también rinden fruto a dos sorpresas increíbles.  Primeramente, el tema Cruel Bloom, cual mezcla la voz de Steve Von Till con guitarras acústicas y líneas de piano, crea un océano de sonidos y sensaciones sutilmente cultivadas, que expande a un oleaje de voces, creando un ambiente devorador, para luego explotar intensamente en guitarras eléctricas.

La segunda de estas sorpresas es el cierre del disco, Wretched World, tema épico y sumamente atmosférico y melancólico que mezcla las fuerzas de Converge con el talento expansivo de Genghis Tron.  Con este tema, la banda demuestra nuevamente su capacidad evolutiva, trayendo a la luz que la intensidad se pueden demostrar con velocidad y furia al igual que con lentitud y ambientación.

Al captar esta multitud de elementos sobresalientes y al tomar en cuenta que la producción estuvo a manos de guitarrista Kurt Ballou (y el arte a manos de Jacob Bannon), sigue siendo impresionante como el crecimiento de Converge continua en acenso sin producción exterior.  Solo falta esperar por el próximo disco para ver como nos sorprenderán de nuevo.

Amaya García nos comenta sobre el debut del super grupo Monsters of Folk.

Este disco se siente como si los dioses del indie se reunieron por un par de sesiones para conceptualizar un álbum que pudiera haber salido de cualquier artista en la época de los años 70. La comparación no se aleja tanto de la realidad. Monsters of Folk es producto de la unión entre cuatro de los mayores exponentes del folk rock en estos tiempos: Conor Oberst y Mike Mogis del grupo Bright Eyes, el cantante principal de My Morning Jacket, Jim James y M.Ward, reconocido como solista e integrante del grupo She and Him.

Muchas han sido las comparaciones que la prensa musical les ha hecho, y de las cuales indican estar cansados, como por ejemplo al súper grupo formado a finales de los años 80, The Traveling Wilburys. Estas son de esperarse, ya que, como sus antecesores, Mogis, Oberst, Ward y James crearon en esta producción una fusión entre alt country, folk rock y country rock que evoca, en términos de instrumentación, dinámica y fluidez de las canciones, a las producciones anteriores a la era de Pro Tools. Aunque esto no significa que no hayan hecho una buena mezcla entre lo acústico y lo electrónico, cortesía de los sintetizadores de Jim James.

La influencia de los géneros del folk, blues y alt country se mueven desde la música hasta la letra de las canciones que, al igual que el country, lidian de manera compleja y existencial con temas desde el amor hasta las complicaciones de las relaciones. Entiéndase románticas, sociales o, en algunos casos como el de “Dear God (Sincerely M.O.F.)”, la búsqueda espiritual.

El drama de estos cuatro compositores puede escucharse a través de temas tales como “Temezcal”, donde declaran “the love we made at gunpoint wasn’t love at all”. El corte “Say Please”, que nos trae letras como “everyone gives up down on hard luck/ on hope ain’t enough it seems. Everyone gets lost in their own fog/ have to wonder on with lantern dreams”, también nos da un vistazo, no solo a la creatividad musical y literaria de los artistas, sino también considero que da a los fans una ventana para identificarse con los artistas y sacarlos un poco del pedestal. Lo mismo que lograron con este estilo artistas como Johnny Cash, Bob Dylan y Neil Young.

Foto por Jennifer Tzar

El álbum fue grabado en varios estudios, entre ellos el de Mike Mogis y Connor Oberst en Omaha, Nebraska y el famoso estudio Shangri-La en Malibu, California. En un acuerdo entre los cuatro integrantes de Monsters of Folk, cada uno describió este esfuerzo como una manera de experimentar con nuevas formas de producción y aprender, de una vez, del proceso creativo. Esto es notable a través de todo el disco, ya que el producto final se escucha como una producción unificada, con diversos matices y contrastes entre los diversos instrumentos (entre ellos el arpa y el steel drum) y los vocalistas. Contrario a su nombre, Monsters of Folk; Mogis, Oberst, Ward y James presentan sin pretensiones una buena primera entrega que, seas fan del folk o no, vale la pena escuchar.

Bernardo Pérez nos presenta la más reciente producción de Evergreen Terrace el cual queda claro que la fama tiene un precio alto y que por momentos les invade la nostalgia de regresar a su hogar.

Evergreen Terrace – Almost Home (Metal Blade, 2009)

Después que uno se familiariza con Evergreen Terrace lo primero que viene a la mente cuando se anuncia un nuevo (y sexto) trabajo discográfico del grupo, son series de televisión y películas. Para aquellos que no lo saben, la dirección ficticia donde vive Homero Simpson y su familia se llama 742 evergreen terrace en la serie The Simpsons y el título de la canción No Donnie, These Men Are Nihilist de su segunda producción Burned Alive By Time (2002) es una cita de la película The Big Lebowski. No cabe duda que son unos movie-geeks. Con esta descripción uno pensaría que es una banda con ideas inmaduras (o sin originalidad) y que nunca se le tomaría en serio como banda. ¿Saben qué?  Se equivocan. Estos se las han ingeniado para salirse con las suyas en todos los aspectos. Recuerden que las apariencias engañan y como dirían en Plaza Sésamo: ¡Una de estas cosas NO es como las otras!

En esta nueva propuesta titulada Almost Home (su segunda bajo el sello Metal Blade Records) el grupo continua con su efectiva fórmula punk-hardcore-melodico y sus pegajosos breakdowns estilo metal que a diferencia (y sorpresa) de su antecesor Wolfbiker (2007) es uno sumamente agresivo y con mucha personalidad, donde el tema del “home-sickness” se presenta ampliamente para así entender más a fondo el concepto de su trabajo anterior (viajar el mundo con su música) versus el anhelo de regresar a casa dentro de este.

Partes del tema Almost Home (111) siguen así:

“Where do we go from here
now that we’ve torn wide open
our broken bodies in the way?

111 Months
111 Flights
all part of the outcome of 111 nights.

Where do we go from here
with only two words spoken?
These nights will never be the same.

No matter the fights or the laughs, the good or the bad.
A part of us dies in joy
machines will move on and destroy.

Still destroy.”

Por lo visto queda demostrado, que ellos siempre cumplen con su deber como figuras públicas y es el de complacer genuinamente al público que los han seguido sin importar lo agotador que pueda ser el estar viajando el mundo constantemente. Sin embargo, ya sabemos que estos hallan formas para entretenerse y así evitar caer en esa nostalgia del querer estar en sus hogares aunque sea por una noche.

Es el primer trabajo sin el bajista Jason Southwell y el segundo para el baterista Kyle Mims (ex-Love Is Red) donde semanas después de haber terminado de grabar sus excepcionales partes para este álbum fue víctima de un terrible accidente donde se rompió su clavícula izquierda y otras áreas de su cuerpo fueron severamente afectadas. Craig Chaney (guitarrista, sonidos y mayor colaborador musical) continúa sobresaliendo con sus vocales melódicas algo que es del agrado de sus fans junto a los ásperos gritos de su cantante Andrew Carey y también de Josh James (integrante de la banda Casey Jones, cuyo nombre está inspirado en un personaje de los Ninja Turtles) en segunda guitarra y coros. La sesión rítmica es sólida y muy apropiada para este tipo de género. No podemos dejar atrás la adicción de los apropiados y muy sencillos solos de guitarra perfectamente implementados en temas como Sending Signals y en especial Almost Home (111).

Gracias a ellos, siempre recordaremos una Avenida Siempreviva #742 y que se mantendrá por varias temporadas más.

D’oh!

http://www.myspace.com/evergreenterrace/

http://www.metalblade.com/

En esta entrega, Alejandra Rehuel comenta sobre lo sucedido en el evento Blood Bath Disko.

El pasado sábado 17 de octubre las bandas de electro/noise puertorriqueñas Dacaboya y Post-Nuclear dieron su primer show en vivo en Sopranos (Cataño). Fueron los grupos invitados al Blood Bath Disko, un evento temático a lo “Club Kids” planificado por Radio Clandestina. Ambos grupos, a pesar de ser bastante underground, comprobaron tener una fanaticada bastante formidable; ésto se demostró a través del entusiasmo de parte del público y la cantidad de personas que asistieron, muchos de ellos exclusivamente para ver el espectáculo.

La presentación de Dacaboya fue muy interesante. Proyectó imágenes en pantalla mientras tocaba que ayudaban a comunicar la esencia tras su música: comentarios sociales que incluyen la paranoia, manipulación y acondicionamiento psicológico de las masas. El resultado de velar las imágenes al ritmo de la música fue hipnótico. Eric estaba muy concentrado, con ambas manos ocupadas e inquietas sobre su laptop y consola.

Para más información sobre su proyecto y una corta entrevista, pulsa aquí.

Muestras del show de Dacaboya:

La respuesta de muchos en el público es que hacía mucha falta un performance de este tipo y de éste género, que no habíamos podido apreciar hace años, desde Cenotype en el Industrial Madness (2006).

Post-Nuclear mostró ser un grupo muy visual. Barbie Blasphemy, el fundador de la banda, nunca se ha visto menos que fabuloso y muy llamativo en cuanto a su apariencia: es un artista de maquillaje, estilismo y moda, un aspecto que resalta el carácter estético de su música.
En tarima, ambos cantantes participaban de una coreografía que, dado su vestuario, al igual que el de los dos bailarines adicionales, creaban silhuetas que parecían sobrehumanas. Sobre botas de plataforma que resaltaban la estatura de los chicos, sus figuras delgadas y sus peinados en dreads, más los movimientos mecánicos del baile, el performance tenía un aire tribal, futurista y místico.

Para el artículo sobre Post Nuclear, pulsa aquí.

En fin, la noche fue muy divertida. Fue una oportunidad para todos los que disfrutan de preparar y mostrar sus atuendos despampanantes, o, para los que disfrutan la época de Halloween, de rendir la celebración disfrazándose por adelantado.

Sarah y Javier, primer y segundo lugar en el concurso de “mejor atuendo”

Los DJ’s Wanker y Satamusic complacieron a todos los que llegaron con ganas de bailar, llenando la pista con sus setlists de electro, synthpop y electroclash.

Tras un debut tan exitoso, todos esperamos ver a los grupos que presentaron tocando más a menudo.

Para más fotos, música e información acerca de Dacaboya y Post-Nuclear, visita sus páginas de myspace enlazadas anteriormente. Puedes descargar una pista gratis de cada uno en The Red Realm.